An Interview: Sebastián Errázuriz

Aug 18, 2020 5:17pm
Sebastián Errázuriz: “I have developed my work from a digital point of view where manufacture is a secondary act”
The Chilean artist based in New York says that today he is making digital works with high levels of realism. In addition, he is developing a platform for artists to create their works through augmented reality, with the aim of making the art market more efficient, democratizing works and breaking down the existing barriers.
Have you done any new projects during quarantines?
There are various topics there. The first is that I have developed my personal work from a digital point of view, in which the manufacture of the final work is a secondary act. Right now we are reaching levels of 3D, digital renderings, which are almost perfect, we are at 97% realism. The interesting thing is that it makes the work of creation for certain types of artists, where the work is rather conceptual and not so much in the marks of the stroke, of the brush, allows the computer and certain softwares give way to generating almost perfect images that can be distributed digitally and that gives the possibility that others can see the work and connect. That is already very satisfying for me as an artist and I am moving more and more towards it, despite having a history of manufacturing works of a very high level of physical perfection in their manufacture. I am moving towards digital and freeing myself a bit from manufacturing as an element that prevents producing all the ideas you want and with this I can focus on a digital medium that allows reaching many more people.
How does this work?
I work based on sketches and then we model on computer with the same level of obsession that one would work with if they were doing it in clay. So we work up to 6.1mm. precision. We can work in 3D and see an object, a sculpture on all sides and masks. Then we can print them in 3D.
Now I am also using augmented reality to be able to see a work in 3D in a physical place, in real size, as if the work were there. The interesting thing about this is related to freedom and efficiency as an artist, to be able to work at the scale you want, within the means you want, in sizes and complexities that are impossible or very difficult, and to be able to use the media. The art gallery is no longer so necessary. Today's art fairs even have the experience of digital, online.
Do you think this digitization is here to stay?
Hundred percent. I am working on that, but in parallel I set up a company to develop the augmented reality digital platform in which the rest of the artists can create. Those are my two main things, my work and understanding that if one is capable of generating the future platform on which other artists can create, I would be creating the most complex and ambitious work that I could try to access. What more important than to generate the digital canvas on which my peers and future artists can use as a means to express themselves and communicate in a more democratic way without the imperfect systems of the art market today, which is looking for the possibilities of creative expression.
Do you have any plans for when the quarantines end or are you going to continue working digitally?
I have been going from my physical workshop to a digital one for two years. That implies that we use ​​cameras 360 to scan my entire workshop. We have the workshop scanned in three dimensions, so I could close my physical workshop and continue presenting artworks as if they were inside it. In this way, the cost of manufacturing decreases significantly, where in my case they are very expensive to produce due to the levels of completion, the processes and the fact that I am in New York, where the cost of labor is very high. Therefore, manufacturing is a big problem and exhibition also because the whole system of the art market is inefficient and problematic for artistic creation.
We are used to a gallery representing around 15 to 30 artists, which tend to have a one-month exhibition, and if it has 30 artists, the gallery can only offer one exhibition every two years or a little more. This means that the artist is obliged to work for two years and present a work that at times can be completely out of date due to the speed at which the news moves today, presenting works that may be disconnected. Another issue is that the artist has to be able to finance himself and must be professional to be able to dedicate 12 hours a day to making works. If it depends on an exhibition every two years, the level of risk involved is very high, and this makes the gallery tend to have a much stronger role, not only as a curator but also as one who restricts the types of works can be presented. Because at the same time the galleries have a very high cost.
This system is limited, so if I have 70,000 followers on Instagram and I make a post, I can have 15,000 views. If instead I exhibit in a gallery, the work can only be seen by those who were physically in that location and who had the time to go there. Although the system has many advantages, seeing a physical work in a space and sharing with an artist is very interesting and important, it still needs a digital disruption and within that, the best means to do it is augmented reality.
Is this going to make art more accessible to a general audience?
Exactly. In the past there was a monopoly on music, and at one point it got broken and allowed equipment so that anyone can record at home from their computer and distribute it to the whole world. The same with the movies and so with each of the areas. In the arts, the gallery model remains the same. If there is any external element, from society, that is preventing my work from reaching the necessary levels of quality and creativity, my obligation is to try to modify that system. At the same time, as a person who comes from a small country in Latin America, I have felt responsible since I was a child to generate some social impact that can help others. This is not just me.
Generating tools to help others is as satisfying as generating my own work. Both are tied up and it's like an obligation. Once you see it, it is very difficult to turn your back on it and decide to play dumb.
That doesn't mean that I won't keep doing physical work, that I love working with my hands. However, more than ever, I am working on this process that I have been coming with for years. In 2018 I had an exhibition at Corpartes that dealt with technology as a theme, it implied the social revolution that was coming, it presented sculptures that have been digitally sculpted through the computer, printed in 3D, presenting augmented reality. That was two years ago and I think today it is very difficult to look ahead and not understand the importance of working digitally as a vital part of the artist's practice.
How relevant is technology in your work?
Technology is just a tool that allows me to express myself and distribute work in a disruptive and democratic way that brings access to a greater number of people to create and discover works.
However, technology is also the great change that is triggering a series of social, economic and political movements. That in Chile and NY there is a social revolution due to all the inequities and oppressions and lack of opportunities of a system in which these are monopolized by an elite class that is in charge of power.
Today technology has a positive and a negative side. It multiplies all the good and bad in us. I think it is extremely important that the community of artists in Chile can get on as soon as possible to the use of technological tools, that they can explore augmented reality from Chile, our corner at the bottom of South America, to participate in a more active way in the arts community internationally.
Sebastián Errázuriz: “He desarrollado mi trabajo desde el punto de vista digital donde la fabricación es un acto secundario”
El artista chileno radicado en Nueva York cuenta que hoy está realizando obras de manera digital con altos niveles de realismo. Además, está desarrollando una plataforma para que los artistas puedan crear sus obras mediante realidad aumentada, con el objetivo de hacer más eficiente el mercado de las artes, democratizando las obras y rompiendo las barreras que hoy existen.
¿Has realizado nuevos proyectos durante las cuarentenas?
Hay varios temas ahí. El primero es que mi trabajo personal lo he desarrollado desde el punto de vista digital, en el cual la fabricación de la obra final es un acto secundario. En estos momentos estamos llegando a unos niveles de renders en 3D, digitales, que son casi perfectos, estamos a un 97% de realismo. Lo interesante es que hace que el trabajo de creación para cierto tipo de artistas donde el trabajo es más bien conceptual, y no tanto en las marcas del trazo, del pincel, permite que el computador y ciertos softwares den paso a generar imágenes casi perfectas que se pueden distribuir digitalmente y que da la posibilidad de que otros puedan ver el trabajo y conectar. Eso ya me es muy satisfactorio como artista y me voy moviendo cada vez más hacia allá, a pesar de tener una historia de fabricar obras de muy alto nivel de perfección física en su fabricación. Es moverme hacia lo digital y liberarme un poco de la fabricación como un elemento que te impide producir todas las ideas que quisieras y con esto puedo enfocarme en un medio digital que permite llegar a mucha más gente.
¿Cómo funciona esto?
Yo trabajo en base a bocetos y después modelamos en computador con el mismo nivel de obsesión con el que uno trabajaría si estuviese haciéndolo en arcilla. Así trabajamos hasta un 6,1mm. de precisión. Así podemos trabajar en 3D y ver un objeto, una escultura por todos sus lados y caretas. Después podemos imprimirlos en 3D.
Ahora también estoy usando realidad aumentada para poder ver una obra en 3D en un lugar físico, de tamaño real, como si la obra estuviese ahí. Lo interesante de esto está relacionado con la libertad y eficiencia como artista, de poder trabajar a la escala que quieras, dentro de los medios que quieras, en tamaños y complejidades que serían imposibles o muy difíciles si no, y poder utilizar los medios de comunicación como la galería, y así la galería de arte ya no es tan necesaria. Las ferias de arte hoy incluso tienen la experiencia de lo digital, lo online.
¿Crees que esta digitalización llegó para quedarse?
Cien porciento. En mi trabajo estoy en eso y en paralelo estoy armando una empresa para desarrollar la plataforma digital de realidad aumentada en la cual el resto de los artistas puedan crear. Esos son mis dos temas principales, mi trabajo y entender que si uno es capaz de generar la futura plataforma en que los demás artistas puedan crear, estaría creando la obra más compleja y ambiciosa a la cual yo podría tratar de acceder. Qué más importante que generar la tela digital sobre la cual mis pares y los futuros artistas puedan usar como medio para expresarse y comunicar de manera más democrática sin los sistemas imperfectos del mercado del arte hoy día, que está buscando las posibilidades de expresión creativa.
¿Tienes planes para cuando terminen las cuarentenas o vas a seguir trabajando de modo digital?
Llevo dos años pasando mi taller físico a uno digital. Eso implica que nosotros ocupemos cámaras 360 para escanear mi taller completo. Tenemos el taller escaneado en tres dimensiones, por lo que podría cerrar mi taller físico y seguir presentando obras como si estuvieran dentro de este. De esta manera, el costo de fabricación de obras baja significativamente, donde en mi caso son muy caras de producir por los niveles de terminación, los procesos y a que me encuentro en Nueva York, donde el costo de mano de obra es altísimo. Por ende, la fabricación es un gran problema y la exhibición también porque el sistema completo del mercado de las artes es ineficiente y problemático para la creación artística.
Estamos acostumbrados a que una galería represente a alrededor de 15 a 30 artistas, los que tienden a tener una exposición de un mes, y si se trata de 30 artistas, eso implica que la galería solo pueda ofrecer una exposición cada dos años o un poco más. Esto hace que el artista esté obligado a trabajar por dos años y presentar una obra que a ratos puede estar completamente desactualizada por la velocidad a la que se mueven las noticias hoy día, presentando obras que a lo mejor están desconectadas. Otro tema es que el artista tiene que poder financiarse y debe ser profesional para poder dedicarse las 12 horas del día a hacer obras. Si depende de una exposición cada dos años el nivel de riesgo involucrado es muy alto, y esto hace que la galería tienda a tener un rol mucho más fuerte, no solo como curador sino como quien restringe qué tipo de obras pueden presentarse. Porque a la vez las galerías tienen un costo altísimo.
Este sistema está limitado, por lo que, si yo tengo 70.000 seguidores en Instagram y pongo un post, puedo tener 15.000 visualizaciones. Si en vez, expongo en una galería, el cuerpo de trabajo solo puede ser visto por aquellas personas que estaban físicamente en esa locación y que tenían el tiempo para ir allá. Si bien el sistema tiene muchas ventajas, ver una obra física en un espacio y compartir con un artista es muy interesante e importante, necesita de todas maneras una disrupción digital y dentro de eso, el mejor medio para hacerlo es el de la realidad aumentada.
¿Esto va a hacer el arte más accesible para un público general?
Exacto. Antes había un monopolio de la música, y en un momento eso se rompe y permite que haya equipos para que cualquier persona pueda grabar un disco en su casa, desde su computador y poder distribuirlo a todo el mundo. Lo mismo con las películas y así con cada una de las áreas. En las artes el modelo de la galería sigue igual. Si hay cualquier elemento externo, de la sociedad, que está impidiendo que mi trabajo llegue a los niveles de calidad y creatividad necesarios, mi obligación es tratar de modificar ese sistema. A su vez, como persona que viene de un país pequeño en Latinoamérica, me siento responsable desde chico de generar algún impacto social que pueda ayudar a otros. Esto no es solo mío.
Generar herramientas para ayudar a otros es tan satisfactorio como generar mi propia obra. Ambas están amarradas y es como una obligación. Una vez que uno lo ve, es muy difícil darle la espalda y decidir hacerse el huevón.
Eso no quita que siga haciendo obras físicas, que me encante trabajar con las manos. Sin embargo, más que nunca, trabajo en este proceso con el que vengo hace años. En 2018 tuve una exposición en Corpartes que trataba sobre la tecnología como tema, implicaba la revolución social que se venía, presentaba esculturas que habían sido esculpidas digitalmente a través del computador, impresas en 3D, presentando realidad aumentada. Eso fue hace dos años y creo que hoy es muy difícil mirar hacia adelante y no entender la importancia de trabajar digitalmente como una parte vital de la práctica del artista.
¿Qué tan relevante es la tecnología en tu trabajo?
La tecnología es solo una herramienta que me permite expresarme y distribuir el trabajo de una manera disruptiva y democrática que traiga acceso a una mayor cantidad de gente para crear y descubrir obras. Sin embargo, es a su vez el gran cambio que está gatillando una serie de movimientos sociales, económicos y políticos. Que en Chile y en NY exista una revolución social es debido a todas las inequidades y opresiones y falta de oportunidades de un sistema en el cual estas están monopolizadas por una clase élite que está a cargo del poder.
Hoy la tecnología tiene un lado positivo y otro negativo. Multiplica todo lo bueno y lo malo de nosotros. Es tanto un tema como un gran gatillante y medio nivelador. Creo que es sumamente importante que la comunidad de artistas en Chile pueda subirse lo antes posible al uso de herramientas tecnológicas, que puedan explorar la realidad aumentada para que puedan desde Chile, nuestro rincón en el fondo de Sudamérica, participar de una forma más activa de la comunidad de las artes a nivel internacional.