Wasteland

Die Galerie Artemons Contemporary zeigt eine facettenreiche Schau von fünf österreichische Künstlerpersönlichkeiten der Malerei und Skulptur, die in den 1980er Jahren in der Kunstszene sozialisiert wurden und nach wie vor heute sehr erfolgreich sind.
Leopold Kogler besitzt eine besonders ausgeprägte Affinität zur Natur. Wir sehen atmosphärisch sanfte Farbräume in Gelb, Rot und sattem Grün, Fernsichten in Blau mit tiefem Horizont – Bilder, die unweigerlich in uns Erinnerungen an Naturlandschaften auslösen (ein Sonnenuntergang, eine Wiese, ein Meer), gleichzeitig aber auch als abstrakte Malerei gelesen werden können. Die Werke sind in erster Linie von der Farbe und dem Malprozess her gedacht, Spuren des Malvorgangs sind auf der Leinwand sichtbar und lassen den figurativen Bildgegenstand hinter den Malakt zurücktreten. Doch man spürt in Koglers Bildern die Natur und ihre Farbschönheit, sie haben die Fähigkeit, uns gefühlsmäßig visuell-suggestiv zu ergreifen. Die Farbflächen erzeugen flirrende Licht- und Naturstimmungen, es entstehen lyrische Landschaftsimpressionen und -reflexionen, eine Verschränkung von Realem und Imaginären, gesehen mit dem äußern, aber auch mit dem inneren Auge.
Immer wieder spielt Kogler mit der Dialektik der Fern- und Nahsicht, des weiten sich auflösenden Horizonts und der Fokussierung auf ein Detail, eine Struktur, eine konkrete Form. Aus unmittelbarer Nähe sehen wir eine Reihe von einzelnen Blättern. Ihn haben immer ihre grafischen Strukturen fasziniert, so Kogler, deshalb hat er über die Jahre Blätter aus allen Herren Ländern gesammelt. Einige hat er in eine Zeitung gelegt, die Sonne fiel darauf und hat ein Lichtbild hinterlassen. Das hat ihn zu seiner sogenannten „Lightscapes“-Serie inspiriert – ein Malen, bei dem die Grenzen zwischen dem künstlerischen Akt und der vorhandenen Naturform verschwimmt. Kogler trägt lichtempfindliche Emulsionen auf das Papier auf, legt darauf die Farne, Gräser oder Blätter und setzt sie längerer Zeit der Sonne aus oder einer Kunstlampe. Durch mehrfacher Wiederholung entstehen Farbbildräume, zart-fragile botanische Abbilder zwischen Erscheinen und Verschwinden – nicht greifbar, fast wie aus einem Traum.
Im Block gehängt haben die Arbeiten auch eine politische Konnotation: Pflanzenbilder aus der ganzen Welt sind zu sehen: ein Blatt aus Österreich hängt neben einem aus Israel, eines aus Italien neben einem aus Laos – alle sind gleich.
Ein wilder Wasserfall, Bäume und eine kleine Hütte, wiedergegeben in kräftigen, klaren Farben: die Malerei stammt von Hubert Schmalix und ist Teil einer neuen Bilderserie mit idyllischen Naturlandschaften. Der Künstler nähert ohne Scheu dem von der Moderne so tabuisierten Genre der Natur- und Landschaftsmalerei. Dabei transformiert er das emotional, historisch und symbolisch stark besetzte alpine Motiv in eine plakative, flächige Malerei, in der Realismus oder Pathos keinen Platz mehr finden. Schmalix hält uns Betrachter auf Distanz. Flächen und Umrisse wirken wie mit Schablonen gemalt, sie sind aber auch an kolorierte Holzschnitte angelehnt. Form und Kolorit erinnern an die poppig bunte Bildersprache von Illustrationen und Comics. Der Künstler kennt keine Berührungsängste und lässt die Grenzen zwischen Populärkultur und der sogenannten „hohen“ Kunst verschwimmen.
Kein Motiv hat Schmalix über die Jahre so häufig gemalt wie den weiblichen Akt. Die Frauenbildnisse sind von reduzierter Formensprache, nah und intim, gleichzeitig aber – auch wenn es wie ein Widerspruch klingen mag – nüchtern und distanziert. Die einzeln auftretenden Frauen – gezeichnet mit harten Umrisskonturen, gemalt in flächigem Stil mit monochromer Farbgebung – stehen in der Tradition japanischer Farbholzschnitte.
Als Hintergründe entwirft Schmalix aus feinteilig gemusterten Teppichen, leuchtenden Kirchenfenstern und Mosaiken ein dichtes, ornamentales Dekor, das sich überbordend über das gesamte Bild erstreckt. Davor der Frauenakt, meist in die Bildmitte gesetzt, wie in der Luft schwebend. Er scheint einer anderen Bildrealität anzugehören und ist doch ins Ornament eingebettet. Bisweilen erscheinen die Körper nur mehr als Schattenriss und lösen sich im Dekor beinahe auf. Die Grenze zwischen Vorder- und Hintergrund verschwimmt.
Schmalix variiert die Motive Natur, Akt oder Ornament immer wieder neu. „Meine Kriterien bei der Betrachtung der Arbeit sind viel mehr von den Augen eines abstrakten Malers geprägt als von einem figurativen Maler“, so der Künstler. „Das Verhältnis des Objektes zum Raum, die Oberfläche, der Duktus der Farbe, Linie zur Fläche, sind mir wichtiger als die Erzählung des Bildes.“ Eine reine Malerei also, unaufgeregt, aber dennoch packend, distanziert, aber dennoch sinnlich. Eine Malerei ohne Botschaft, aber nicht ohne Aussage. Eine Malerei, die sich – wie jene Koglers – nicht scheut, schön zu sein.
Alois Mosbacher setzte sich schon immer intensiv mit Natur und Kunstgeschichte auseinander und stellt sie in einen emotionalen Bezug zum zeitgenössischen Leben. Mit malerischer Bravour und erzählerischem Reichtum entführt er uns unheimliche und skurrile, rätselhafte aber auch humorvolle Parallelwelten.
Der Wald fasziniert Mosbacher besonders. Er wird Bühne für Außenseiter, Abenteurer und Ausgestoßene, ein Ort für Unbekanntes und Bedrohliches. „Mich fasziniert die Vorstellung, als impressionistischer Maler diese Orte aufzusuchen und diese unbedarfte Landschaft zu malen. Wo vorher möglicherweise ein Verbrechen geschehen ist. Und dieser Malerwinkel, diese schöne Position, dieses schöne Sujet, dieser Ort, wird plötzlich zum Tatort. Es geht nicht darum, dass da wirklich was passiert ist und was passiert ist, sondern allein darum, dass ein Ort anders definiert wird. Und dadurch auch innerhalb der Malerei anders definiert wird.“
Bald verschwinden die Menschen aus seinen Darstellungen, nur noch Reste der Zivilisation – wie hier bei den „Shelter“-Darstellungen aus Holz gebaute Schutzräume – zeugen noch von Eingriffen in die Natur. Eine melancholische Grundstimmung herrscht vor. Und man wir das unwohlige Gefühl nicht los, dass hier irgendetwas nicht stimmt. Die spezifischen Orte, in denen eine mögliche Handlung angesiedelt ist, sind meist ein Konstrukt, oft auch eine Mischung aus realen, dem Künstler bekannten Plätze, und anonymen Fotos auch aus dem Internet.
Vieles von diesem Bildmaterial sehen wir auch auf den collageartigen Tierbildern mit einem Sammelsurium von Gegenständen, von Ästen und Blättern bis zu von Schläuchen und Plastikflaschen. Die Hunde und das Schaf kann man kaum mehr erkennen, sind sie doch fast vollständig von all den Gegenständen überlagert.
Alles dient als Vorwand für die Malerei und Collage. Mosbacher verleibt sich die Formen ein, malt mit frische Farbigkeit und Verspieltheit, bewegt sich zwischen eigenwilliger figurativer Erzählung und abstrakter Geste, zwischen Zeichnung, Malerei und Collage.
Treibender Motor für Manfred Wakolbinger ist die Auseinandersetzung mit der eigenen Körper- und Sinneswahrnehmung. Sein selbstbewussten Skulpturen sind wie Zeichnungen im Raum, durch ihre dynamischen, organischen Formen, überwinden sie die Statik der Skulptur und strahlen, trotz der Schwere des Materials, eine gewisse Leichtigkeit und Zartheit aus.
Gegenüber Eisen oder und Stahl – Materialien, mit denen Wakolbinger auch gut umgehen kann – bevorzugt er Kupfer, „weil es so fleischlich und sinnlich ist". Ihn fasziniert, dass das Kupfer an das Innere des Körpers erinnert oder auch an die rosafarbene Haut. Und natürlich hat es schöne Patina. Kupfer wird fleckig, die Zeit hinterlässt Spuren, schreibt sich in das Material ein.
Ein zentraler Wesenszug der Arbeiten ist, dass die Skulpturen mit dem Raum in einen Dialog treten. Sie besetzen den Ausstellungsort und verändern ihn, sie schmiegen sich an die Wand oder treten aus ihr heraus. Wir können uns den Werke durch verschiedene Blickpunkte (von oben, von der Seite) annähern und so ihre Körperlichkeit wahrnehmen und spüren.
Zu sehen sind vor allem Arbeiten aus der Werkserie der sogenannten „Placements“. Ihr möbelartiger Charakter, also Formen, die sich an den Körper anschmiegen, hat mit Wakolbingers Überzeugung zu tun, dass die Gedanken von jenen Orten abhängig sind, an denen wir uns befinden. Sie, die Gedanken, variieren, je nachdem, wo oder wie man auf etwas sitzt bzw. liegt. Die Skulpturen stehen einerseits für Materialisierung von Empfindungen, anderseits lösen sie diese bei Benützung (wenn man etwa auf ihnen liegt) auch aus – Empfindungen wie Ruhe oder auch Harmonie.
Und immer wieder sehen wir die Eiform. Das Ei ist ein Sinnbild für die Entstehung von Leben, aber auch für den Prozess der Transformation, der Verwandlung von einem Zustand in einen anderen. Inspirieren lässt sich der Künstler von der bei Sloterdijk beschriebenen indischen Legende der „Göttervögel“. Diese besagt, dass Göttervögel zwischen Erde und Sonne leben und bei ihrer Paarung immer höher steigen. Manchmal, wenn die Vögel zu tief fliegen, fallen die Eier einfach zur Erde und schlagen dort auf, noch bevor die Jungen ausgeschlüpft sind. Was dann ausschlüpft, kann nicht mehr fliegen. Das Einzige, was diesen Wesen möglich ist, ist im aufrechten Gang durch die Welt zu laufen. Dennoch versuchen sie immer wieder abzuheben und hoch hinaus (zu hoch hinaus?) in die göttlichen Sphären zu gelangen. Wakolbinger zeigt uns diese Eier mit ihren wunderschönen wellenartigen Bahnen.
Das dialogische Zusammenwirken von Objekt, Grafik, Malerei und Fotografie charakterisiert schließlich die Arbeiten von Gerhard Kaiser. „Mich interessiert die Kommunikation der Medien untereinander, innerhalb des Arbeitsprozesses“, betont der Künstler. Der multidisziplinäre Ansatz umfasst ganz unterschiedliche Medien und Materialien: Sieb- und Digitaldruck, Öl und Acryl, Leinwand und Plexiglas, Kunststoff und Diponplatte. Immer wieder gestaltet er mit Installationen den Raum, nimmt diesen in Besitz. Seine Arbeit unterliegt einem immerwährenden Prozess der Veränderung und künstlerische Richtungswechsel – stets vom Anspruch getragen, Grenzen künstlerischer Gattungen aufzuheben.
Häufig finden sich in der Technik des Siebdrucks ausgeführte Motive: Text- und Bildfragmente, grafische Elemente und geometrische Zeichen wie Kreise oder Rechtecke. Kaiser ist ein Sammler und bedient sich aus seinem reichen Archivs an Dokumenten, Fotografien und Texten, entnommen aus dem hektischen Treiben unseres Alltag – einer multimedialen Welt, in der wir täglich von tausenden Bildern und Texten bombardiert werden. Er verarbeitet diese Bilder- und Informationsflut, selektiert, interpretiert, verfremdet und transformiert. Schicht um Schicht.
„Meine Themen entstehen im schablonenhaften Setzen von seriellen Zeichen zwischen Zufall und Kontrolle“, so Kaiser. Durch die Überlagerungen, die verkürzten Wiedergabe, die verfremdeten Kontexte entsteht ein Abstraktionsprozess der Information, die nicht im konventionellen Sinn entschlüsselbar und deutbar ist. Der Künstler thematisiert die technische Reproduzierbarkeit von Bildern, sein medienübergreifendes System von Text, Zeichen und Bildern okkupiert den Raum und fordert unsere Wahrnehmung heraus.
Oswald Oberhuber, der Professor von Kaiser, spricht treffend von „künstlerischen Künstlichkeiten“ und der „Konstruktion der Vermischung“. Und dann sagt Oberhuber etwas, das wunderbar zu allen Werken in der Ausstellung passt: „Was zu sagen ist, muss sich im jeweiligen Objekt erfühlen und vermitteln. Jede Reflexion oder Beschreibung unterliegt der Subjektivität des Augenblicks.“

Günther Oberhollenzer