Aural
ARCOmadrid 2016

La galería Aural participa en ARCO 2016 en el programa general de galerías nacionales e internacionales.
Ubicada en el Pabellón 9 en el stand 9G37 participa con los artistas: Anna Bella Geiger, Concha Jerez, Fernando Sinaga, Javier Vallhonrat y José Maldonado.
Atendiendo a estos últimos 35 años de Arco presentamos un proyecto que plantea una mirada y reflexión de algunos de los artistas, sobre todo españoles, vinculados desde sus comienzos al contexto de Arco. Cinco artistas significativos de la escena contemporánea española e internacional que han contribuido con gran coherencia a configurar el presente desde una perspectiva generacional.
Anna Bella Geiger es una de las artistas brasileñas más consideradas en el la escena internacional con la que venimos trabajando desde 2008 y participamos en un Solo Project Focus Latinoamérica en ARCO 2014 y que realizamos su primera individual en España el mismo año.
Geiger fue una de las pioneras en utilizar medios no convencionales para experimentar otros modos de planteamientos y cuestionamientos sobre lo que ocurría en su país en los años 70, durante una dictadura militar. Cuestión que establece una relación de similitud con lo que acontecía en España. Un tiempo ansioso de libertades en el que la práctica del arte se entendió como un espacio de cuestionamiento e indagación, en el que afloraba una nueva sensibilidad y que supuso una ruptura respecto a los lenguajes tradicionales: transversalidad de disciplinas, la integración en el proceso creativo de mecanismos relativos a la filosofía, la sociología, el psicoanálisis, la política, la tecnología, la cultura popular, la ciencia, la arquitectura, la música o el lenguaje.
Por ello justificamos la conexión de la obra de Anna Bella con los artistas españoles que trabajaban de forma simultánea en nuestro país como es el caso de Concha Jerez, quien fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2015. Este planteamiento genera una idea de diálogo temporal y cronológico donde las preocupaciones son muy similares, donde la ruptura con las prácticas artística convencionales se ponen en cuestionamiento para dar paso a otras preocupaciones relacionadas con el momento histórico y las vivencias del propio artista. Sus puntos en común: el trabajo de arte, como una actividad reflexiva, tanto mental como experiencial.
Continuando con este diálogo pasamos a la generación siguiente con artista cuyas carreras arrancan a principios de los 80, son Fernando Sinaga, Javier Vallhonrat y José Maldonado. Artistas cuyas preocupaciones y reflexiones parten de premisas conceptuales, no obstante, cada uno desarrolla su propio lenguaje con aportaciones muy significativas al arte contemporáneo a lo largo de sus carreras. Aportaciones fundamentales para entender la escena nacional en los últimos 35 años. Todos ellos han venido participando en exposiciones y proyectos internacionales realizados en estas últimas décadas, dando ejemplo de constancia y coherencia a pesar las diferentes crisis, no sólo personales o artísticas, sino también coyunturales.
Son artistas que han estado especialmente interesados en explorar una nueva zona de la especulación estética que parecía representar una dramática ruptura respecto a las habituales actividades de la producción contemplación y apreciación artísticas, donde lo procesual es casi una actitud y un modus operandi, donde el producto final del arte, el objeto artístico, no es el fin último. La obra está en constante revisión y replanteamiento. La obra se convierte en acción en el tiempo. No se trata de un documento, sino de un acontecimiento que tiene lugar aquí y ahora.
Sobre Anna Bella Geiger (Río de Janeiro, 1933) presentamos una serie de piezas fotográficas de los años 1975 a 1980 relacionada con el Pasaje, el tiempo, la experiencia y el camuflaje, donde ella misma aparece como elemento activador de la imagen. Sin ser las obras más conocidas de la artista son piezas esenciales para la comprensión de su trabajo y que tienen un carácter atemporal.
Estimulada por las cuestiones suscitadas por el arte conceptual y el momento político vivido, su producción de la década de 1970 está marcada por un carácter eminentemente experimental: fotograbado, fotografía fotomontaje, serigrafía, fotocopia, tarjetas postales, vídeo, Súper 8, lo que la lleva posteriormente a trabajar toda una serie de formas híbridas (objeto-esculturas, grabado-objeto, fotografía-objeto, foto-collage, foto-instalación, video-instalación), en el sentido de desdibujar fronteras entre ellos y con la idea de pasaje, del retorno a lo nómada, el exilio y de movimiento continuo. Geiger desarrolla una poética contemporánea del espacio, pero la condición doblemente contemporánea de la artista se evidencia en el planteamiento de la liberación de la autonomía del arte y de la especificidad de los medios como géneros cerrados manteniendo el pulso con cada uno de ellos en la tentativa de establecer interdependencias.
Anna Bella Geiger adopta una postura crítica elaborada mediante la serie, la variación, mutación y repetición, cuestiones que le permite desarrollar a través del video, del grabado o la fotografía como medios propicios a la seriación y multiplicidad, constituyendo la configuración formal de su trabajo.
Piezas como Diario de um artista brasileiro, 1975 o Passagens. Situaões Limite, 1975 o Camouflage, 1980, Rose Sélavy mesmo, 2014 son parte del conjunto de 5 piezas de formato pequeño que presentamos en esta ocasión.
En gran parte de las instalaciones de Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941) desde los 80 se plantea una dicotomía entre interior y el exterior que surgen de dos raíces básicas: la realidad física, espacios interiores y exteriores dentro de un edificio o arquitectura, y por otra, partiendo de una narrativa personal, surge la idea del interior y del exterior de la persona, del tiempo, medida y paisaje interior/exterior.
La pieza que presentamos es resultado de una acción Medida | Límite (1986-96) está integrada por seis soportes de hierro gris, seis fragmentos de mármol de una pieza anterior autodestruida, adherido la cada mármol 2 letras de metal dorado de 5 cm, una con la lectura por un lado correspondiente a la palabra MEDIDA y la otra con la lectura por el opuesto correspondiente a la palabra LIMITE. Seis copas de medición de laboratorio, en el interior de cada uno de ellos un material residual procedente bien de la instalación MUROS, bien del ceremonial IN MEMORIAM, ambos realizados por la autora en 1986 en Avilés. Los materiales son: carbón, colas de vaca, papel vegetal arrugado con grafismos, paja, residuos de virutas de hierro y cenizas. Y seis luces de emergencia de atención por obras con intermitencia.
Fernando Sinaga (Zaragoza, 1951) es heredero de los debates –conceptuales y postminimalistas - que alejaron a la escultura de la figuración. Inconformista y apasionado, forma parte del selecto grupo de escultores que, a partir de la segunda mitad de los años 80 y 90, crea un nuevo espacio para la representación.
La obra de Sinaga que presentamos por primera vez en Arco, siendo una obra actual parte de ideas anteriores y sin duda, se trata de una pieza que bien refleja es carácter de lucha contra el estilo. Se trata de una obra non finita, con una idea esencialista en un presente contínuo que plantea varios niveles de complejidad.
El corazón de los muertos, (2012-2014) es una obra que conecta directamente con su exposición La vida extraña, del año 2012 en Salamanca, ya que destila algunas de las preocupaciones que allí se mostraron. Este trabajo forma parte de una trilogía que recoge en su desarrollo un gran número de obras anteriores y de reflexiones asociadas con la muerte (El tiempo que resta, 1989; La muerte súbita, 2005; Venit hora, 2006; La vida extraña, 2012; Los consejos ciertos, 2012; Los últimos días, 2012; Todestrieb, 2012; Más allá del principio del placer, 2013; La muerte del cuerpo y la desaparición del alma (CsA), 2012-2014 y Algo se acaba, 2013). La presencia física de esta obra actúa sobre el espacio como una escritura automática e irracional que está en conexión con el más allá, una obra encriptada e indicial, asociada a la huella y la sombra. Un espacio funerario cruzado donde Sinaga marca y señala premoniciones, advertencias y certezas que viven dentro de las formas casi arcaicas del ritual de un psicopompo.
En el caso de Javier Vallhonrat (Madrid, 1953) presentamos alguna piezas fotográficas Iceberg#13, noviembre 2013 y Snowstorm #2 que forman parte de un proyecto más amplio y complejo Interacciones acerca de la experiencia de la montaña, la fragilidad del hombre ante la naturaleza en condiciones extrema y sobre los diferentes modos de ver y representar la naturaleza, no tanto como documento del paisaje sino como proceso experiencial. Se trata de un dispositivo de diálogos visuales que reformula el modo de relacionarse con la naturaleza, en el que se hace patente el uso y conocimiento de la ciencia y la poesía. Bajo el título genérico de esta serie Eolionimia (el arte de nombrar los vientos) ha sido desarrollado en entornos de meteorología extrema como forma de confrontar y friccionar la incertidumbre y la imprevisibilidad con la humana necesidad de control y previsibilidad. Trabajando con fenómenos atmosféricos de distinta naturaleza (tormentas de nieve, el efecto del viento, la niebla y otros agentes sobre los icebergs y auroras boreales) el artista registra estos fenómenos naturales explorando la noción de inconmensurabilidad, a la vez que presenta una mirada de asombro y celebración ante tales fenómenos.
Este proyecto gira en torno a Kåre Aarset, personaje de ficción sobre un joven explorador noruego que hacia 1920 participó en los pioneros estudios sobre meteorología de los también noruegos Carl y Vihelm Bjerknes. Este personaje sintetiza el espíritu de aventura de las zonas boreales de principios del siglo XX. Poeta y observador meteorológico, Kåre Aarset viaja a Akureiri, Islandia, en 1929 y 1930, permaneciendo en una cabaña en los meses invernales mientras escribe su conjunto de poemas "Drikt fra den breen".
Es frecuente en muchos de los poetas noruegos, y en general escandinavos, esta relación intensa con la naturaleza, y la influencia que el haiku - poema corto japonés- ejerce sobre ellos. De los poetas de la tradición del haiku, Javier Vallhonrat se inspira en sus estancias en modestas cabañas en la nieve, o sus viajes durmiendo al raso, bajo la lluvia, viviendo experiencias de extrema comunión con los fenómenos naturales en condiciones de radical simplicidad. La experiencia de soledad e inmersión en tales condiciones facilita la emergencia del estado de irrealidad y ensoñación, a la vez que intensamente físico, que tiñe las imágenes de esta serie.
José Maldonado (Madrid, 1962) pertenece a esa generación de artistas hechos así mismos cuyo trabajo arranca en el 82, año en el que se funda ARCO, y sigue su trayectoria en ascenso, nivel de relevancia y cada vez más multidisciplinar: música, sonido, vídeo, fotografía, imagen digital, instalaciones, aunque en el 2009 vuelve a retomar la pintura que abandona a finales de los 80.
El proyecto artístico que viene desarrollando en los últimos 15 años está centrado en la imposibilidad de construir una imagen y representación de la realidad que sea plena e íntima y a su vez capaz de establecer un vínculo comunicativo profundo. Su trabajo parte de la sospecha, y también de la convicción de la dificultad extrema de lectura e incomprensión que la obra y trabajo del artista tratan de salvar de la asunción de un vacío o hinancia, un espacio en blanco, en el cual la comunicación se produce de manera no regulada (implosiva y explosiva).
El proyecto que presentamos de Maldonado parte de esta base. La obra perteneciente a la serie Sangre, esfuerzo, sudor y lágrimas, está compuesta por una serie de cintas de audio que contienen una composición sonora, casi musical, con sonidos propios de la frase: el sonido del flujo sanguíneo, gotas, de sangre, sudor o lágrimas…sonidos de esfuerzo y resistencia…voces que gritan, susurran o dicen calmamente sangre, esfuerzo, sudor y lágrimas. Esos sonidos grabados digitalmente son pasados a soporte analógico y empleado como material que habrá de quedar atrapado, fijado visualmente, sobre la cinta adhesiva; pero también como dripping expresivo que pinta la superficie al ser atrapada (pigmento metálico) con figuras aleatorias: action painting que genera una técnica nueva.
La sinfonía generada desde los sonidos grabados queda registrada y ofrecida a la audiencia como un murmullo que sirve de testigo auditivo (Duchamp) de los materiales sonoros y conceptuales que “pintan” la otra cinta de registro, la adhesiva. El sonido surge de una pequeña “caja negra” situada al lado del político (da fé). Las cintas quedan atrapadas y aisladas al adherirse sobre ellas un metacrilato que sella la obra